Saludos creativos, el pasado mes de junio participe como oyente en el curso integral Tiempo de Flauta y Bajo, en donde mis estudiantes de flauta e integrantes de la Orquesta de Flautas de Aragua participaron activamente en ensambles, masterclases, orquestas, conciertos solistas y demás. toda una experiencia de lujo.
el día Miércoles 28 de junio de 2023, el mtro. Alexi Mosquera, conocido como el Gurú de la flauta nos hizo la reproducción de dos videos uno del mtro. Nicolás Real, en donde nos explicó sobre la Embocadura estilo Ingles, y otro del mtro Raimundo Pineda, quien nos toco tópicos generales desde la embocadura hasta la postura general del flautista.cabe destacar que fue una participación interactiva, en donde los más de 30 y pico de flautistas reunidos en un salón de El Centro de Formación Regional Maracay, de el sistema de orquestas y coros de Venezuela, se dieron cita, y fuimos guiados magistralmente en esa oportunidad con comentarios oportunos y precisos que complementaron la experiencia por parte del mtro. Alexi Mosquera.
Clasicismo es la denominación historiográfica de un
movimiento cultural, estético e intelectual inspirado en los patrones
estéticos y filosóficos de la Antigüedad clásica la cual se caracteriza
por buscar la perfección del hombre en sus aspectos físicos. Se
desarrolló de forma simultánea a los distintos estilos artísticos y
movimientos literarios, Llegó a ser la tendencia dominante en las artes y
el pensamiento occidentales durante buena parte de los siglos XVIII y
XIX, en su vertiente institucionalizada en las academias
En la música el Clasicismo es el estilo desarrollado aproximadamente
entre 1750 y 1820 por compositores como Wolfgang Amadeus Mozart y Joseph
Haydn. Coincide con la época cultural y artística hoy denominada, en la
arquitectura, la literatura y las demás artes, Neoclasicismo. Tuvo sus
grandes centros de difusión en Berlín, París, Mannheim y, sobre todo,
Viena.
Mientras que las restantes artes redescubrían y copiaban en esta
época los antiguos modelos grecorromanos, los muy escasos restos
musicales conocidos de la música de la Antigüedad eran insuficientes
para basarse en ellos, por lo que el clásico es un estilo musical nuevo.
Por esta misma razón, la denominación música clásica nunca se usó
para la música grecorromana, prácticamente desconocida, y comenzó a ser
utilizada por los románticos para nombrar a la música de la época que
les precedió, esta de la segunda mitad del siglo XVIII; luego, por
extensión, el nombre fue usado para toda la música culta occidental
anterior al siglo XX.
Características Genérales:
Se amplía la orquesta y su rango dinámico.
Se definen claramente las formas y estructuras en las que se basa la música culta occidental
forma de estructuras simples y frases simétricas similares a las de la música folclórica
en la ópera, verosimilitud y cercanía al espectador de los argumentos, e integración íntima del drama y la música.
Formas musicales en el clasicismo
Formas instrumentales
Las formas instrumentales del Clasicismo reciben su nombre según el conjunto al que están destinadas:
La sonata está escrita para un instrumento solista (generalmente el
piano), o bien para piano y un segundo instrumento (violín, flauta,
etc.).
El trío, el cuarteto, el quinteto… denominan a obras escritas
respectivamente para tres, cuatro, cinco… instrumentos. Entre estas
combinaciones quedan fijadas algunas plantillas fijas, como la del
cuarteto de cuerda o el quinteto de viento.
La serenata, el divertimento y la casación suelen estar escritas
para un conjunto de tamaño medio (pequeña orquesta de cuerdas, banda de
viento), para ser interpretados al aire libre.
El concierto está escrito para un instrumento solista y orquesta.
La sinfonía es una obra escrita para orquesta sinfónica.
Todas estas obras son estructuradas de modo similar, tomando como
modelo la sonata. Tiene esta tres o cuatro movimientos: el primero
rápido, el segundo lento, el tercero en forma de minueto o scherzo
(esquerzo) en el caso de las sinfonías de Beethoven, y el cuarto rápido y
alegre.
Formas Vocales
La ópera
Ópera Seria: Los temas se referían a la mitología y
representaban grandes tragedias lírico-heroicas, montadas con gran
aparato cantadas a en italiano.
Ópera Buffa: (cómica) eran pequeñas actuaciones
satírico-burlescas. De breve duración y argumento simple, recurren a la
expresión directa en lenguaje coloquial y se sirven de dos o tres
personajes solamente, reduciendo al máximo los elementos musicales, en
los que desde luego están ausentes los coros y cobra la mayor
importancia la melodía popular de fácil construcción. La ópera buffa
ganó importancia y nivel artístico durante el Clasicismo, y aparecieron
además versiones nacionales, escritas en la lengua local y con diálogos
en lugar de recitativos, como el Singspiel en Alemania, la zarzuela en
España y la opéra-comique en Francia.
La música religiosa: Un gran número de compositores
siguió adscrito al servicio de la Iglesia, y continuaron escribiendo por
tanto formas religiosas como la misa y el motete, en general para
orquesta, coro y solistas, y en un estilo deliberadamente arcaico. Un
ejemplo muy conocido de este género es el Réquiem de Mozart.
Los tres grandes del período clásico
Joseph Haydn: Rohrau 1.04.1732 – Viena11.05.1809,
Músico, compositor de orígenes humildes, tras años de estudios, y luego
de múltiples contactos con diferentes maestros compositores, mecenas
entre otros, llega a ser maestro de capilla del príncipe de Estherhazy,
fue maestro de Beethoven, compositor del himno nacional de Alemania.
Aunque no es el creador de la forma sonata, lo perfeccionó, y
engrandeció la sinfonía anunciando a Beethoven.
Wolfgang Amadeus Mozart: Salzburgo 27.01.1756 /
Viena 5.12.1791, hijo del violinista y compositor Leopoldo Mozart, niño
genio y prodigio, componiendo desde los tres años de edad, compone su
primera obra de envergadura a la tierna edad de doce años, tiene en su
cátalogo de obras más de 600 composiciones propias, entre óperas,
cuartetos, conciertos y sinfonías.
Ludwig van Beethoven: Bönn 15.12.1770 / Viene 26.
03. 1827, hijo del tenor Johann Beethoven, su padre al detectar talento
decidido a convertirlo en el próximo Mozart lo maltrato en medio de su
educación, es la transición del clásico al romántico, su música cargada
de rudeza, refleja su frustración por la sordera que comenzó a padecer
desde 1810 hasta su muerte, durante la presentación de su última
sinfonía, la famosa novena, no logró apreciar los aplausos de su
público.
La música barroca o música del Barroco es el estilo musical europeo,
que abarca aproximadamente desde el nacimiento de la ópera en torno a
1600 hasta la muerte de Johann Sebastian Bach, en 1750. Es uno de los
estilos de la generalmente llamada música clásica o culta europea,
antecedido por la música del Renacimiento y seguido por la música del
Clasicismo, el barroco fue la época en la que se crearon formas
musicales como la sonata, el concierto y la ópera. Entre los músicos del
Barroco destacan Johann Sebastian Bach, Georg Friedrich Händel, Antonio
Vivaldi, Domenico Scarlatti, Georg Philipp Telemann, Jean-Baptiste
Lully, Arcangelo Corelli, Claudio Monteverdi, Jean-Philippe Rameau y
Henry Purcell.
La música fue utilizada en el Barroco como medio de propaganda por
las iglesias en competencia y por la alta nobleza, únicas instituciones
(junto a algunas ciudades libres) capaces de mantener una capilla de
músicos profesionales. La música se vuelve indispensable para cualquier
actividad, por lo que el músico pasa a ser un sirviente más de los que
acompañaban a los nobles.
Las principales características comunes de la música de la época barroca son:
La polarización de la textura hacia las voces extremas (aguda y grave).
La presencia obligatoria del bajo continuo
El desarrollo de la armonía tonal
En los teatros de ópera aparece la orquesta, con predominio de
instrumentos de cuerda frotada, base de la actual orquesta sinfónica.
La aparición de nuevas formas vocales e instrumentales: la ópera, el
oratorio y la cantata entre las primeras, y el concierto, la sonata y
la suite entre las segundas.
El gusto por los fuertes contrastes sonoros (entre coros, entre familias instrumentales o entre solista y orquesta).
El amplio espacio dejado a la improvisación, tanto en obras libres como en las ya escritas, en forma de ornamentación.
Instrumentos musicales más comunes del periodo Barroco:
El Barroco conoció la transformación de los instrumentos
renacentistas hacia modelos dinámicamente más flexibles y vio aparecer
la orquesta en el sentido moderno del término. Nacida durante el siglo
XVI en ambientes populares, la familia del violín (violines, violas,
violonchelos) alcanzó su grado máximo de perfección constructiva en el
XVII, hasta el punto de que entonces quedaron fijados los modelos que,
en lo fundamental, han sido reproducidos durante los trescientos años
siguientes, gracias a la labor de familias de artesanos como los
Stradivari y los Amati. Paralelamente a ella sobrevivió a pleno
rendimiento la fabricación de violas da gamba, extinguidas sin embargo
hacia el final del periodo. Los instrumentos de madera fueron
radicalmente transformados por la familia Hotteterre en la corte
francesa de Versalles, apareciendo entonces el oboe, el fagot y la
flauta travesera barroca. Por otra parte, se siguen utilizando
instrumentos de otras épocas como el sacabuche, la trompeta y la trompa,
ambos sin pistones.
Formas Musicales durante el Barroco
Formas de la Música Vocal
La Opera: Los sucesivos experimentos en los que la música
vocal se combinaba con danzas y escenas teatrales habladas forjaron
finalmente un espectáculo musicalmente continuado, en que estas escenas
habladas eran sustituidas por recitativos: había nacido la ópera. La
evolución posterior y su fusión con otras formas músico-teatrales acabó
convirtiendo a la ópera barroca en una representación teatral
íntegramente musical en la que se suceden números de cuatro tipos: Recitativos,
en los que los cantantes hacen avanzar los diálogos de la obra
dramática en un canto silábico apenas acompañado por el bajo continuo. Arias,
verdadero núcleo musical de la ópera. Son números solísticos líricos y
muy elaborados, a menudo virtuosos, al servicio del lucimiento del
cantante y del puro deleite musical, Números instrumentales ejecutados por la orquesta desde el foso, como la sinfonía inicial y, sobre todo, las danzas bailadas en escena., Coros, generalmente a cuatro voces, a imitación de los coros del teatro griego.
El oratorio: Musicalmente casi idéntico a la
ópera, solía tener una temática religiosa y no era escenificado. A
diferencia de la ópera, casi siempre en italiano, los oratorios solían
escribirse en lengua vernácula. El más famoso ejemplo es El Mesías de
Händel
La cantata: obra de uso litúrgico que
intercalaba sinfonías instrumentales, recitativos, arias y coros, Se
escribieron también cantatas profanas, especie de minióperas de cámara
habitualmente formadas por la secuencia Recitativo-Aria-Recitativo-Aria.
Con frecuencia tienen un carácter vanguardista por estar dirigidas a
una audiencia selecta y culta.
El Motete: El motete es una
forma musical ya marginal en el Barroco. La denominación se reserva para
ciertas composiciones religiosas corales escritas a varias voces
iguales, frecuentemente en un estilo obsoleto. En el siglo XVII mantuvo
cierta vigencia en Alemania e Italia, y en el XVIII aún se usaba a veces
la palabra para designar algunas cantatas de estilo concertante.
