Hola mis Creativos de la flauta dulce, he estado perdida este año, creo que más que en años anteriores. pero es que ha sido muy intenso y los pocos días libres aprovecho descansar.
Luego de la celebración de mis cuarenta años, que fue un concierto temático de Harry Potter, me sumergí en preparar conciertos y actividades múltiples con las Orquestas que forman parte de Flautistas de Aragua, La Orquesta de Flautas Dulces de Aragua y la Orquesta de Flautas de Aragua, la segunda solo traversas, además de mis trabajos como docente de Música, Arte y Fotografía.
Entrando en tema, les cuento que en estos días de agosto, caí en las redes de mi hija, y me deje convencer, ella deseaba ver GUERRERAS DEL KPOP, es una niña de 09 años, y esta en esa etapa de descubrir lo que le gusta, y bueno bueno, ella es fans de Black Pink, BTS, y toda esta invasión de bands coreanas, por lo que resultaba inevitable caer, tarde o temprano en esta película.
Sorpresa, me encantó, los temas musicales son geniales, a parte de la animación, la trama en general, etc... así que decidí sumarme al trend que hay en redes con el tema GOLDEN, pero en versión para trio de flautas dulces, el cual espero en próximos días grabar para el canal tanto como tutorial como EnConcierto.
Hablando de la canción Golden, puedos comentarles que por lo que he visto en internet, se nota pues, que vocalmente es un tema algo complicado y exigente de cantar por los agudos que tiene, requiere un dominio vocal increíble. y al transcribirla para trio de flautas, les puedo decir que, tampoco es sencillo para los instrumentos. o por lo menos no para ejecutantes iniciantes.
En compas de 12/8, usando la negra con puntillo como base del pulso, me recordó a una pieza tradicional coreana que arregle para la Orquesta de flautas en el año 2015 llamado Namdo Minyio, tanto en ritmos como en métrica. en fin es una pieza de Corea del sur que encontré hace años.
La métrica particular de Golden, es lo que la hace para la flauta y cualquier instrumento, una pieza de nivel medio, no es para estudiantes iniciantes, sin embargo, y no prometo nada, tal vez más adelante con más tiempo pueda hacer una versión más sencilla. por lo pronto les comparto este Trio. que pronto estará Online en youtube.
Saludos Padres y Madres Creativos, este año escolar estaré ofertando en el Estudio talleres de Iniciación al Arte y la Música. algunos disponible para Agosto y otros Inician en Septiembre y Octubre...
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Recuerde que el arte es una excelente herramienta para enseñar DISCPLINA, ORDEN, SEGUIR INSTRUCCIONES, además mejora la EXPRESIÓN ORAL, EXPRESIÓN CORPORAL, LA ESCRITURA, LA COMUNICACIÓN, sin hablar de los beneficios sociales como TRABAJO EN EQUIPO, LA TOLERANCIA, EL RESPETO, así como desarrollar sentido de CULTURA, BELLEZA Y ESTETICA. el Arte no es solo una actividad complementaria, si no terapeutica, relajante, y que los aleja de las tan dañinas pantallas, que solo han demostrado en recientes estudios que retrasan el lenguaje, la cognición, y genera falta de tolerancia, empatía, además de la gratificación genera intolerancia al estress, al aburrimiento.
LOS ESPERO EN TALLER CREATIVO, en donde su niño sera tratado con respeto porque aca EDUCAMOS CON AMOR.
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Hola creativos, el Villancico de Hoy es un clásico del cine y teatro norteamericano, cambiando un poco lo usual que siempre les comparto, les traigo Have yourself a merry little christmas.
la Música de esta pieza fue compuesta por Hugh Martin (1914-2011), en colaboración con Ralph Blane en el año 1944 para la película Cita en San Luis, la canción fué cantada por Judy Garland, también fué grabada cuatro años más tarde por Sinatra quien le cambio ligeramente la letra. versión que perdura hasta la actualidad. Esta considerada una de las 100 canciones más populares de navidad, razón por la que hoy se las comparto.
Es inevitable oírla y no oler a canela /manzana, pensar en ponche de huevo, sentir frio rico, y querer ver películas de navidad todo el día.
En fin hoy les comparto la partitura para que disfruten de esta bella pieza y puedan montarla. de hecho este año 2024 la montaré en formato de ensamble con mis estudiantes de flauta del estudio. por lo que en días próximos publicare otro video tocando cada parte por separado y en conjunto para facilitarles el estudio en casa, y uds podran tener también acceso a este material.
Hola mis creativos, ciertamente este año he estado un poco desanimada he de confesar, la situación Internet, electricidad han hecho que me cueste mucho ser más constante con la creación de contenido para el blog y para el canal de youtube. pero aca estoy.
Agradezco el apoyo y la paciencia con este contenido que sale desde la mera intención de enseñarles a tocar flauta o guiarles en el proceso de enseñanza a sus pequeños grandes flautistas en sus colegios y escuelas de música.
ARRE BURRIQUITA, es un bello aguinaldo infantil compuesto por la pedagoga y Músico Venezolana, Flor Roffé de Estévez, nacida el 24 de octubre de 1921 en Caracas, formada en grandes instituciones Venezolanas como la Escuela de Música José Ángel Lamas, recibiendo clase de grandes luminarias de la historia musical venezolana, y continuando formación en Música, educación y pedagogía musical en Estados Unidos, en instituciones como Julliard y la Universidad de Columbia y la Escuela de Dalcroze de NY.
Ella es una inspiración para muchas generaciones de formadores musicales, en los que me incluyo, cuando escogí este aguinaldo, lo hice porque siempre me ha gustado, sin embargo como buen docente egresado de la UPEL, investigadora por naturaleza, decidí indagar en su vida, y dos cosas me sorprendieron mucho, una su formación académica tanto en el país como fuera de este, y la otra que la fecha en la que filmo y edito tanto el video del tuto flauta como el blog coinciden con su aniversario de vida y muerte, porque este gran persona fallece en su natal caracas hace 20 años un 21 de octubre de 2004, a tan solo 3 días de su cumpleaños nro 83. por lo que estamos cercanos a los 102 años de su natalicio. cosas interesantes que siempre me suceden.
es por ello que en días de estas dos fechas importantes, le rindo homenaje con este tuto flauta a Flor Roffé de Estévez- espero lo disfruten en el canal de youtube y no olviden suscribirse. https://www.youtube.com/@ElHadaFlautista
Gracias por visitar mi blog. Si deseas colaborar para que siga creando contenido, puedes Donar 1$ o 2$ vía PayPal gallardoflauta@gmail.com, o comprar el cancionero de flauta dulce con temas de peliculas + 1 obsequito en 5$ , consulta catalogo de obras al correo cdhf.estudiocreativo@gmail.com
Creado por Magda Gallardo Campos CEO estudio de Arte y Música "Taller Creativo" Maracay - Aragua Vzla 2024
Hola mis creativos, como les prometí en youtube aca estan las partituras de la maravillosa música compuesta por el compositor de cine Germano - Iraní Ramin Djawadi (se pronuncia yauidi, por si te lo preguntas.... me toco buscar videos para ver como lo pronunciaban). me refiero al tema de apertura de Juego de Tronos - Casa del Dragón.
Este maravilloso universo creado por G.R.R. Martin, llamado canción de hielo y fuego, danza de dragones, entre otros de donde HBO - MAX se inspiraron para sacar estas dos series.
No hablaré de la serie, pero si un poco de la música, la cual es puramente cinematográfica, respondiendo a las necesidades de la trama, realzandola y llevandolas a otro nivel, un ejemplo son los episodios la Boda Roja en donde Walder Frey traiciona a los Stark en nombre de los Lannister, y a la Luz de los siete, en donde Cersei Lanniste los quema a todo con fuego valyrio, y si mi memoria no me falla no hubo dialogo, solo una construcción musical que fue de menos a más, en un eterno crescendo creado por la añadiduría de instrumentos de forma progresiva, como el movimiento de una sinfonía de más de 20 minutos. el mismo Djawadi comenta en un video de HBO que en este episodio sabias que algo iria mal, muy mal porque fue la primera vez en toda la serie que introdujo el piano dentro de la orquestación. esto es arte.
La música bien usada, y bien contextualizada aporta textura, muy bien lo supo hacer usando instrumentos etnicos como didyeridú australiano para los Dothraki, o usar la citara china cada vez que salía Arya Stark y como en la ópera usar ciertas melodías que se convertían en lievMotiv para ciertas familias o personajes. un uso magistral de la instrumentación, la armonías, los ritmos, de verdad que la música de GOT-HOD es arte..
Reafirmando lo que dije en el video, les dejo este pensamiento "LA MÚSICA ACADÉMICA (CLÁSICA - SINFÓNICA) NO HA MUERTO, SOLO SE MUDO DEL TEATRO AL CINE, Y LA ESCUCHAN MÁS PERSONAS, SIN SABERLO"
y Bueno dicho esto, les comento, la partitura del TutoFlauta10 esta en el tono de La Menor, cuando arreglo para flauta dulce (flauta de pico) soprano suelo evaluar si la tonalidad es correcta, si así funciona, y si no procedo a trasportarla, en este caso la pase de do menor (si- mi - la bemol en la armadura de clave), a la menor (armadura natural, sin alteraciones) porque en la otra tonalidad quedaban muy agudas o muy graves, y resulta pues que do menor es un tono más cómodo para flautas en fa, apoyada de una flauta más grave como la tenor en do.
En esta ocasión por ser muy larga la partitura (dos paginas) se me hizo difícil ponerle la posición nota por nota debajo de partitura, pero si les puse los nombres a cada nota, por lo que les comparto la tabla de posición para que revisen de ser necesario.
En este link estan las partituras tanto del TutoFLauta como del EnConcierto, por si te gusta esa versión y la quieres para tí y tu ensamble, la flauta traversa se puede cambiar por otra Tenor, y se puede hacer en Sopranino, Soprano, Tenor. también... descargar partitura aquí
El Canal de youtube no monetiza, así que si deseas colaborar con el
canal puedes donar por paypal gallardoflauta@gmail.com, o si estas en
venezuela dejar el equivalente a un dolar cambio BCV al pago móvil,
solicitalo vía correo. Gracias por el apoyo. también puedes adquirir la
colección de métodos de flautas y cancioneros. solicita info al correo.
HOLA CREATIVOS, los he tenido súuuuper abandonados, pero he estado muy atareada en el día a día con la Orquesta de Flautas de Aragua, los estudiantes del taller creativo de flauta y artes plásticas, además de mis deberes familiares como mamá, esposa y sobrina.
En Fin en la tarde, noche de hoy les traigo el tuto flauta de:
BUNDLE OF JOY - Tema de la Película Intensamente
Esta pieza es ideal para enseñar y practicar la sincopa con los estudiantes, porque tiene negras con puntillos, corcheas con negras con puntillos, y al estar de moda por el estreno en el pasado mes de junio de Inside out 2 (intensamente en Latinoamérica - del reves en España).
la sincopa se puede definir como el desplazamiento del acento, dando la sensación como que esta atravesada la música, o ligeramente desplazada. y eso es lo que ocurre con esta melodía.
En relación a este tema en especifico te puedo contar que apareció por primera vez en el inicio de la película Inside out, justo cuando nacía la protagonista, Riley, a su vez aparecía Alegría y casi de inmediato tristeza por primera vez, la traducción del titulo del tema literal es algo así como "paquete de alegría", y casualmente investigando encontré que es una expresión que al parecer se usa para felicitar por el nacimiento de un hijo o hija en tarjetas y postales, y pues muy apropiado el titulo puesto que es la música del nacimiento de Riley.
Esta canción fue compuesta por Michael Giacchino un compositor muy famoso por el tema married life de UP; Bundle of joy representa para Giacchino su segunda colaboración con Pete Docter, uno de los animadores y directores más importantes de Disney Pixar, con titulos como UP, Monster INC, Soul y obviamente también ha participado como escritor de la aclamada Toy Story, y en otros roles en animados y series de la compañia Disney Pixar.
Regresando a Bundle of joy, y hablando un poco más de la parte musical, es un tema que inicia casi como una canción de cuna, y a medida que se agregan momentos, emociones y la vida de la protagonista avanza, si bien la melodía permanece sencilla, el acompañamiento va de menos a más, mostrando ritmos y armonías cada vez más complejos.
En los arreglos que a continuación les comparto, a propósito del TUTOFLAUTA que estará disponible el sábado 20 de julio de 2024 en el canal, estan tres versiones, una versión para flauta dulce sola, con las posiciones y notas tanto para flauta dulce soprano / Tenor (recuerden que ambas flautas comparten digitación), como para flauta dulce Alto / Sopranino (estas son flautas en fa y también comparte digitación), también te encontrarás con otra versión, un arreglo para flauta soprano y tenor, pero si tienes una banda orff pues otro que incluye pequeños instrumentos de percusión como xilofonos (que pueden ser tocados por otra flauta soprano o alto) y el triangulo que le da un toque brillante, pero puedes usar en su defecto toc toc, claves, pandereta, porque sirve para marcar ritmo.
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Hola hola Creativos, por aca como siempre Magda Gallardo Campos, el Hada Flautista, les traigo hoy dos canciones navideñas venezolanas, una tipica y se podría decir que hasta tradicional, y la otra, pues no tanto.
En Venezuela según la región y épocas del año, se ejecutan diferentes estilos musicales, en navidad imperan prácticamente 3 generos la gaita, tipica del estado Zulia, (ve el tuto flauta de la cabra mocha para más detalle) el Aguinaldo, que viene a ser una composición escrita bien sea en 5/8, 2/4 o 6/8, por lo general lenta con letras relacionadas al niño Dios, a la concepción, los reyes magos, la iglesia catolica entre otros, un tanto más venezolanos como la comida típica, costumbres y tradiciones de la navidad venezolana, ejempos niño lindo, la jornada (din din din), de contento, cantemos en coro y la que les traemos hoy Niño Criollo, que es el aguinaldo que hoy les traigo.
sobre el genero de Parranda, que se hace a lo largo de la cordillera de la
costa, puedo decir que hay diferentes tipos de Parrandas; la Parranda Central, exclusiva
de Aragua y Carabobo en especial los pueblos de Santa Cruz , Palo Negro, Magdaleno, Guigue, Mariara y Aguas Caliente, la Parranda de la Costa, ejecutada principalmente en Carabobo - Aragua - La Guaira - Miranda, que vá desde las Costas de Puerto Cabello hasta Barlovento, también hay otras parrandas
llamadas o conocidas como diversiones que se hacen en navidad o carnaval
y que son propias del oriente del país en especial de Sucre y Nueva
Esparta.
La temática de las Parrandas es variada va de cantos al niño Dios, como canciones de amor, escenas cotidiandas de los pueblos venezolanos, pueden ser tristes como de desamor y hasta humoristicas y satiricas.
la Pieza que hoy les presento, El Arrendajo no tiene autoría
como tal a nadie, dice del folklore en la partitura, y buscando no
aparece el compositor pero si que ha sido popularizada por Un Solo
Pueblo, agrupación venezolana dedicada a difundir este género de
parranda, la parranda de la costa moderna, la de hoy día se mezclan
el cuatro, los tambores, la charrasca con teclados e instrumentos de
viento metal como trombones y trompetas, un cantante solista alternado por un coro que puede ser femenino, masculino y/o mixto.
en el Tutoflauta 07 de youtube se enseña el ritmo y las notas de esta pieza, fecha de estreno 07/10/2023
Para quienes Nacimos entre los 80 y principios de los 90, esta canción fue uno de los tantos Himnos para cantar en fiestas y pijamadas, un símbolo para disfrutar de los últimos años de niñez y entrada a la adolescencia plena. figuraban agrupaciones como Spice Girl, Backstreet Boys, Nsycn, 5ive, entre tantas otras, así como las iconicas Britney Spears, Christina Aguilera, Mandy Moore, por mencionar algunas. en Europa estaba el EuroDance, Euro Pop, y cada país tenia su representante, algunos llegaban al otro lado del charco con mediano exito, pegaban un par de canciones, y para nosotros desaparecían, pero seguian en sus paises siendo números uno en sus carteleras radiales... Aaaah porque aun en esa epoca escuchábamos Radio, teníamos walkman, grabábamos de la radio al casette para llevarlo con nosotros a donde sea.
luego salió el CD que se podía grabar y uno descargaba de internet (no recuerdo las paginas usadas, eso me lo hacía mi hermano), pero el descargaba y escuchabamos en los Discman, la evolución del walkman, y luego en el mp3, y desués en el ipod y por último en nuestros celulares. (si soy algo viejita)
En esta breve recapitulación de la historia de la música Pop, entra la agruapación danesa Aqua, conformada por Lene Nystrom, René Dif, Soren Rasted y Claus Norren, activos desde 1994, quienes han tenido años de ir y venir entre actividad y pausas. (actualmente activos), esta agrupación en el año 1997 compuso Barbie Girl, un tema que es un claro homenaje al icono de Mattel, sin embargo en su momento la compañía no lo vio así y decide demandar. cambiando de opinión en la campaña de navidad del año 2009, en donde fué incluida como jingle.
En el 2023 una versión alterna aparece en el soundtrack de la Película Barbie de Greta Gerwig, protagonizada por la actriz Margot Robie, titulada Barbie World, en esta versión se puede oir de fondo la icónica melodía, pero en esta ocasión acompañada de un rap interpretado por Nicki Minaj y Ice Spice.
Para Quienes vivimos esta época linda, les dejo aca las partituras de Barbie Girl, en Do Mayor, con los acordes escritos para ser acompañada por Ukulele, teclado, bajo y/o Guitarra, y adicional dos arreglos para ensambles, uno para ensamble de flautas dulces Sopranino - Soprano - Alto - Tenor, y otro para Cuarteto de Flautas Traversas.
DESCARGAS
Barbie Girl - Soprano | Contralto : versión Sola con acordes y notas anotadas descargar
(fe de Erradas compás 13 corregir Si - Do - Re - Si - Do - Re)
Saludos creativos, el pasado mes de junio participe como oyente en el curso integral Tiempo de Flauta y Bajo, en donde mis estudiantes de flauta e integrantes de la Orquesta de Flautas de Aragua participaron activamente en ensambles, masterclases, orquestas, conciertos solistas y demás. toda una experiencia de lujo.
el día Miércoles 28 de junio de 2023, el mtro. Alexi Mosquera, conocido como el Gurú de la flauta nos hizo la reproducción de dos videos uno del mtro. Nicolás Real, en donde nos explicó sobre la Embocadura estilo Ingles, y otro del mtro Raimundo Pineda, quien nos toco tópicos generales desde la embocadura hasta la postura general del flautista.cabe destacar que fue una participación interactiva, en donde los más de 30 y pico de flautistas reunidos en un salón de El Centro de Formación Regional Maracay, de el sistema de orquestas y coros de Venezuela, se dieron cita, y fuimos guiados magistralmente en esa oportunidad con comentarios oportunos y precisos que complementaron la experiencia por parte del mtro. Alexi Mosquera.
Clasicismo es la denominación historiográfica de un
movimiento cultural, estético e intelectual inspirado en los patrones
estéticos y filosóficos de la Antigüedad clásica la cual se caracteriza
por buscar la perfección del hombre en sus aspectos físicos. Se
desarrolló de forma simultánea a los distintos estilos artísticos y
movimientos literarios, Llegó a ser la tendencia dominante en las artes y
el pensamiento occidentales durante buena parte de los siglos XVIII y
XIX, en su vertiente institucionalizada en las academias
En la música el Clasicismo es el estilo desarrollado aproximadamente
entre 1750 y 1820 por compositores como Wolfgang Amadeus Mozart y Joseph
Haydn. Coincide con la época cultural y artística hoy denominada, en la
arquitectura, la literatura y las demás artes, Neoclasicismo. Tuvo sus
grandes centros de difusión en Berlín, París, Mannheim y, sobre todo,
Viena.
Mientras que las restantes artes redescubrían y copiaban en esta
época los antiguos modelos grecorromanos, los muy escasos restos
musicales conocidos de la música de la Antigüedad eran insuficientes
para basarse en ellos, por lo que el clásico es un estilo musical nuevo.
Por esta misma razón, la denominación música clásica nunca se usó
para la música grecorromana, prácticamente desconocida, y comenzó a ser
utilizada por los románticos para nombrar a la música de la época que
les precedió, esta de la segunda mitad del siglo XVIII; luego, por
extensión, el nombre fue usado para toda la música culta occidental
anterior al siglo XX.
Características Genérales:
Se amplía la orquesta y su rango dinámico.
Se definen claramente las formas y estructuras en las que se basa la música culta occidental
forma de estructuras simples y frases simétricas similares a las de la música folclórica
en la ópera, verosimilitud y cercanía al espectador de los argumentos, e integración íntima del drama y la música.
Formas musicales en el clasicismo
Formas instrumentales
Las formas instrumentales del Clasicismo reciben su nombre según el conjunto al que están destinadas:
La sonata está escrita para un instrumento solista (generalmente el
piano), o bien para piano y un segundo instrumento (violín, flauta,
etc.).
El trío, el cuarteto, el quinteto… denominan a obras escritas
respectivamente para tres, cuatro, cinco… instrumentos. Entre estas
combinaciones quedan fijadas algunas plantillas fijas, como la del
cuarteto de cuerda o el quinteto de viento.
La serenata, el divertimento y la casación suelen estar escritas
para un conjunto de tamaño medio (pequeña orquesta de cuerdas, banda de
viento), para ser interpretados al aire libre.
El concierto está escrito para un instrumento solista y orquesta.
La sinfonía es una obra escrita para orquesta sinfónica.
Todas estas obras son estructuradas de modo similar, tomando como
modelo la sonata. Tiene esta tres o cuatro movimientos: el primero
rápido, el segundo lento, el tercero en forma de minueto o scherzo
(esquerzo) en el caso de las sinfonías de Beethoven, y el cuarto rápido y
alegre.
Formas Vocales
La ópera
Ópera Seria: Los temas se referían a la mitología y
representaban grandes tragedias lírico-heroicas, montadas con gran
aparato cantadas a en italiano.
Ópera Buffa: (cómica) eran pequeñas actuaciones
satírico-burlescas. De breve duración y argumento simple, recurren a la
expresión directa en lenguaje coloquial y se sirven de dos o tres
personajes solamente, reduciendo al máximo los elementos musicales, en
los que desde luego están ausentes los coros y cobra la mayor
importancia la melodía popular de fácil construcción. La ópera buffa
ganó importancia y nivel artístico durante el Clasicismo, y aparecieron
además versiones nacionales, escritas en la lengua local y con diálogos
en lugar de recitativos, como el Singspiel en Alemania, la zarzuela en
España y la opéra-comique en Francia.
La música religiosa: Un gran número de compositores
siguió adscrito al servicio de la Iglesia, y continuaron escribiendo por
tanto formas religiosas como la misa y el motete, en general para
orquesta, coro y solistas, y en un estilo deliberadamente arcaico. Un
ejemplo muy conocido de este género es el Réquiem de Mozart.
Los tres grandes del período clásico
Joseph Haydn: Rohrau 1.04.1732 – Viena11.05.1809,
Músico, compositor de orígenes humildes, tras años de estudios, y luego
de múltiples contactos con diferentes maestros compositores, mecenas
entre otros, llega a ser maestro de capilla del príncipe de Estherhazy,
fue maestro de Beethoven, compositor del himno nacional de Alemania.
Aunque no es el creador de la forma sonata, lo perfeccionó, y
engrandeció la sinfonía anunciando a Beethoven.
Wolfgang Amadeus Mozart: Salzburgo 27.01.1756 /
Viena 5.12.1791, hijo del violinista y compositor Leopoldo Mozart, niño
genio y prodigio, componiendo desde los tres años de edad, compone su
primera obra de envergadura a la tierna edad de doce años, tiene en su
cátalogo de obras más de 600 composiciones propias, entre óperas,
cuartetos, conciertos y sinfonías.
Ludwig van Beethoven: Bönn 15.12.1770 / Viene 26.
03. 1827, hijo del tenor Johann Beethoven, su padre al detectar talento
decidido a convertirlo en el próximo Mozart lo maltrato en medio de su
educación, es la transición del clásico al romántico, su música cargada
de rudeza, refleja su frustración por la sordera que comenzó a padecer
desde 1810 hasta su muerte, durante la presentación de su última
sinfonía, la famosa novena, no logró apreciar los aplausos de su
público.
La música barroca o música del Barroco es el estilo musical europeo,
que abarca aproximadamente desde el nacimiento de la ópera en torno a
1600 hasta la muerte de Johann Sebastian Bach, en 1750. Es uno de los
estilos de la generalmente llamada música clásica o culta europea,
antecedido por la música del Renacimiento y seguido por la música del
Clasicismo, el barroco fue la época en la que se crearon formas
musicales como la sonata, el concierto y la ópera. Entre los músicos del
Barroco destacan Johann Sebastian Bach, Georg Friedrich Händel, Antonio
Vivaldi, Domenico Scarlatti, Georg Philipp Telemann, Jean-Baptiste
Lully, Arcangelo Corelli, Claudio Monteverdi, Jean-Philippe Rameau y
Henry Purcell.
La música fue utilizada en el Barroco como medio de propaganda por
las iglesias en competencia y por la alta nobleza, únicas instituciones
(junto a algunas ciudades libres) capaces de mantener una capilla de
músicos profesionales. La música se vuelve indispensable para cualquier
actividad, por lo que el músico pasa a ser un sirviente más de los que
acompañaban a los nobles.
Las principales características comunes de la música de la época barroca son:
La polarización de la textura hacia las voces extremas (aguda y grave).
La presencia obligatoria del bajo continuo
El desarrollo de la armonía tonal
En los teatros de ópera aparece la orquesta, con predominio de
instrumentos de cuerda frotada, base de la actual orquesta sinfónica.
La aparición de nuevas formas vocales e instrumentales: la ópera, el
oratorio y la cantata entre las primeras, y el concierto, la sonata y
la suite entre las segundas.
El gusto por los fuertes contrastes sonoros (entre coros, entre familias instrumentales o entre solista y orquesta).
El amplio espacio dejado a la improvisación, tanto en obras libres como en las ya escritas, en forma de ornamentación.
Instrumentos musicales más comunes del periodo Barroco:
El Barroco conoció la transformación de los instrumentos
renacentistas hacia modelos dinámicamente más flexibles y vio aparecer
la orquesta en el sentido moderno del término. Nacida durante el siglo
XVI en ambientes populares, la familia del violín (violines, violas,
violonchelos) alcanzó su grado máximo de perfección constructiva en el
XVII, hasta el punto de que entonces quedaron fijados los modelos que,
en lo fundamental, han sido reproducidos durante los trescientos años
siguientes, gracias a la labor de familias de artesanos como los
Stradivari y los Amati. Paralelamente a ella sobrevivió a pleno
rendimiento la fabricación de violas da gamba, extinguidas sin embargo
hacia el final del periodo. Los instrumentos de madera fueron
radicalmente transformados por la familia Hotteterre en la corte
francesa de Versalles, apareciendo entonces el oboe, el fagot y la
flauta travesera barroca. Por otra parte, se siguen utilizando
instrumentos de otras épocas como el sacabuche, la trompeta y la trompa,
ambos sin pistones.
Formas Musicales durante el Barroco
Formas de la Música Vocal
La Opera: Los sucesivos experimentos en los que la música
vocal se combinaba con danzas y escenas teatrales habladas forjaron
finalmente un espectáculo musicalmente continuado, en que estas escenas
habladas eran sustituidas por recitativos: había nacido la ópera. La
evolución posterior y su fusión con otras formas músico-teatrales acabó
convirtiendo a la ópera barroca en una representación teatral
íntegramente musical en la que se suceden números de cuatro tipos: Recitativos,
en los que los cantantes hacen avanzar los diálogos de la obra
dramática en un canto silábico apenas acompañado por el bajo continuo. Arias,
verdadero núcleo musical de la ópera. Son números solísticos líricos y
muy elaborados, a menudo virtuosos, al servicio del lucimiento del
cantante y del puro deleite musical, Números instrumentales ejecutados por la orquesta desde el foso, como la sinfonía inicial y, sobre todo, las danzas bailadas en escena., Coros, generalmente a cuatro voces, a imitación de los coros del teatro griego.
El oratorio: Musicalmente casi idéntico a la
ópera, solía tener una temática religiosa y no era escenificado. A
diferencia de la ópera, casi siempre en italiano, los oratorios solían
escribirse en lengua vernácula. El más famoso ejemplo es El Mesías de
Händel
La cantata: obra de uso litúrgico que
intercalaba sinfonías instrumentales, recitativos, arias y coros, Se
escribieron también cantatas profanas, especie de minióperas de cámara
habitualmente formadas por la secuencia Recitativo-Aria-Recitativo-Aria.
Con frecuencia tienen un carácter vanguardista por estar dirigidas a
una audiencia selecta y culta.
El Motete: El motete es una
forma musical ya marginal en el Barroco. La denominación se reserva para
ciertas composiciones religiosas corales escritas a varias voces
iguales, frecuentemente en un estilo obsoleto. En el siglo XVII mantuvo
cierta vigencia en Alemania e Italia, y en el XVIII aún se usaba a veces
la palabra para designar algunas cantatas de estilo concertante.
Como veran en los últimos días he estado publicando los artículos de mi viejo blog alojado en wordpress acá, al fin decidi hacerlo, por lo que estoy en proceso de Mudanza, nos mudaremos definitivamente para este espacio, porque no encuentro sentido mantener dos blogs.
de igual forma he estado haciendo cambios a este para que sea un lugar más habitable para mis ideas creativas, mis estudiantes del estudio y el trabajo que vengo desarrollando desde youtube.
SECCIONES NUEVAS
La Tienda, por ahora solo de partituras, pero espero pronto añadir otras cosas, como trabajos de arte, franelas, souvenirs de el hada flautista.
Curso Gratis de Música. pues he ido agrupando entradas del blog que sirven para estudiar música, los mejores videos del ciclo monkemeyer y se los he colgado organizado en secuencia para que puedan de forma autodidacta acceder a este curso.
....
Espero que este refrescamiento al blog sea de su agrado.
Con Cariño
Magda Gallardo Campos - Artista Creativo CEO Estudio de Arte y Música "Taller Creativo" Maracay - Vzla
El Renacimiento Español es la expresión
empleada para designar a la influencia y al desarrollo que se dio En
España del movimiento artístico y científico originado en Italia en el
siglo XV que se expandio por europa occidental en el siglo XVI como
renacimiento.
Se toma el año 1492 como inicio de la
influencia del renacimiento italiano, inspirado en la antigüedad clásica
grecolatina, recibe impulso en este año por varios acontecimientos
importantes:
Unificación del reino cristiano, por la toma de Granadam úlima
ciudad de la España Islamica y la expulsión de miles de judíos.
Obligando a musulmanes y judíos a convertirse al cristianismo.
Descubrimiento oficial de ámerica, el viernes 12 de octubre de 1492.
Publicación de la primera gramática de una lengua vulgar europea. La Gramática Castellana de Antonio Nebrija.
En la Música Renacentista española
encontramos clara influencia franco-flamenca y árabe, así como italiana,
podemos dividir la música en tres vertientes, religiosa, profana e
instrumental. La instrumental encontramos las danzas, el ricercare y la
canzona, en la profana el villancico, el madrigal y la chason y en el
religioso el motete y la misa.
Las características musicales del renacimiento son:
Obras vocales a varias voces de tres a seis voces, cada linea podía
indistintamente ser interpretada por voces o por instrumentos.
Se conservaron algunas formas medievales, como los modos gregorianos.
La creación de la imprenta ayudo a la difusión de la música en especial de la religiosa.
Formas Musicales del Renacimiento
La Misa: con texto
basado en el ordinario de la misa, (kyrie, gloria, Credo, Benedictus y
agnus dei), cuyas melodías podían ser originales a voces, o tomando una
melodía popular o religiosa pre-existente y creando a partir de esta el
resto de las voces.
El Motete: era una
creación original en latín, con sentido netamente religioso, podía o no
contener textos de la misa o de la sagrada biblia.
EL Villancico: forma musical y poética en castellano y
portugués, originalmente canciones con estribillos y armonizadas a
voces. Luego se comenzaron a cantarse con letras alusivas al a navidad y
a asociarse con la iglesia. Descendiente de las cantigas o canciones.
Su nombre deviene de los habitantes de las villas, conocidas como
canciones villanas, cantadas por los campesinos en fiestas populares de
temas variados como la cotidiano, entre otros.
El Madrigal: es una
composición vocal, generalmente a capella, de tres a seis voces, con
texto profano, que describe la vida las campiñas, la ciudad, el amor y
temas variados. Fue cultivado mayormente en Italia, aunque en España se
pueden encontrar algunos madrigales ó música parecida en estructura. Las
voces de los madrigales pueden ser sustituidas o doblada por
instrumentos musicales.
El Romance: es una obra
polifónica vocal (a varias voces) con acompañamiento instrumental y de
temática profana. Su forma consiste en una estrofa de cuatro frases
musicales cortas, ABCD, que se repiten durante todo el texto. La mayoría
de los romances conservados se encuentran en el Cancionero de Palacio,
el compositor más importante es Juan de la Encina. Otros géneros
emparentados son el Villancico y la Ensalada.
La Ensalada: la ensalada es un género polifónico
(varias voces y sonidos) que mezcla diferentes texturas, ritmos, así
como idiomas, aparecen estilos como el romance, el madrigal, el
villancico, danza, texto litúrgicos. Los idiomas más usados son el
castellano, el valenciano, el gascón, el vizcaíno, el portugués, el
italiano y el latín. Mezcla temas cómicos, épicos, serios, irónicos.
Suele incluir onomatopeyas. Uno de los compositores que perfeccionó el
género fue Mateo Flecha el Viejo, cuyo sobrino Mateo Flecha el Joven,
público sus mejores ensaladas. Hoy día las ensaladas que más se
interpretan son el Fuego, la Bomba, la Guerra, El Jubílate y la Justa.
El Cancionero de Palacio: conocido también como
cancionero musical de palacio, CMP, o como cancionero de Barbieri, es
un manuscrito español que contiene música del renacimiento, obras
recopiladas durante el periodo de unos cuarenta años desde el siglo XV
hasta principios del siglo XVI. Tiempo que coincide aproximadamente con
el reinado de los Reyes Católicos. Actualmente de las 548 piezas
originales, solo se conservan 469. El manuscrito recopila obras en
castellano, latín, francés, catalán, euskera y portugués. Constituye una
antología de la música polifónica existente durante el reinado de los
Reyes católicos. Las obras tratan temas de todo tipo desde religiosos,
festivos, a pastoriles, burlescos y hasta políticos e históricos. Las
formas que recogen son el villancico, la canción, el romance y la
ensalada, entre otros.
Llamamos instrumentos musicales del
Renacimiento a los utilizados para la interpretación de la música culta
occidental durante los siglos XV y XVI.
Al igual que sucedió con los demás
aspectos de la música, la fabricación de instrumentos y la
disponibilidad de repertorio para ellos creció enormemente en el
Renacimiento, gracias al aumento de la demanda social y al efecto de la
imprenta.
Además de tocar un repertorio
específicamente instrumental (danzas, fanfarrias, improvisaciones…), los
instrumentos fueron utilizados habitualmente para interpretar polifonía
vocal. La escritura de esta, con voces de igual importancia y un ámbito
general más amplio que en la Edad Media, obligó a adaptar los
instrumentos, que extendieron su tesitura creándose familias completas
de cada modelo; cada tamaño era nombrado con el nombre de la voz
equivalente: así, por ejemplo, se crearon flautas de pico soprano, alto,
tenor y bajos de varias tallas, y un proceso semejante siguieron
instrumentos de cuerda como las violas da gamba, de metal como los
sacabuches o de madera como las chirimías. Cada tipo instrumental solía
reunirse en grupos instrumentales homogéneos, llamados consorts.
Función social: Cada
familia instrumental fue utilizada para funciones sociales específicas:
así, los de cuerda pulsada y frotada se utilizaban en el ámbito
doméstico (tocados por músicos profesionales para la aristocracia o
directamente por aficionados burgueses), los de viento madera en bandas,
habituales en la iglesia y en actos civiles, y los de viento metal
quedaban reservados para actos sociales de la nobleza. Tocar un
instrumento pasó de ser una tarea propia de menesterosos a ser vista
como refinado entretenimiento de nobles, recomendado incluso por
Maquiavelo en El Príncipe.
Además de conservarse un número
suficiente de ejemplares originales de la mayoría de los instrumentos de
esta época, la iconografía, la música conservada, documentos como
reglamentos y actas, y, sobre todo, gran número tratados como los de
Silvestro Ganassi, Juan Bermudo, Sebastian Virdung, Marin Mersenne o
Michael Praetorius ofrecen mucha información sobre la naturaleza y el
uso de los instrumentos en el Renacimiento.
Repertorio: El
repertorio básico de los instrumentistas era la polifonía vocal, pero se
les exigía improvisar sobre ella disminuciones o glosas para
enriquecerla. Además, las principales formas instrumentales específicas
de la época fueron:
Formas derivadas de modelos vocales:
al tocar habitualmente los instrumentistas piezas vocales, compusieron
formas similares, si bien sin texto: del motete derivaron piezas
polifónicas imitativas, llamadas ricercare, fantasía o tiento, mientras
que de la chanson derivó la canzona, generalmente más viva y más
dividida en secciones que los anteriores.
Danzas: una de las funciones
tradicionales de los instrumentistas era, naturalmente, el
acompañamiento de la danza. Solían estar escritas a cuatro voces, en una
sencilla textura homofónica. Hay abundantes ejemplos de danzas de todo
tempo y compás, como la baja danza, la pavana, la gallarda, la alemanda o
la courante.
Formas improvisatorias: los músicos
anotaban a veces sus improvisaciones más logradas. Podía tratarse bien
de puras improvisaciones para un instrumento polifónico (toccata,
preludio, de nuevo tiento), bien de variaciones melódicas ornamentales
sobre una o varias voces de un modelo vocal preexistente (recercada,
disminuciones) o bien de largas series de variaciones sobre un basso
ostinato muy conocido, como la romanesca, el Conde Claros, el passamezzo
antiguo o el passamezzo moderno.
Familias y tipos
Instrumentos de cuerda: La familia de la viola da gamba en una ilustración del Syntagma Musicum (1614-19) de Michael Praetorius.
La familia de las violas da gamba (de la
viola soprano al violone) fue uno de los medios principales de la música
doméstica. Con trastes y seis cuerdas afinadas por cuartas, con una
tercera entre las centrales, se reunían en consorts, sobre todo entre
los amateurs ingleses, y también fueron usadas como instrumento solista
para glosar e improvisar, como muestran los tratados de Ortiz y Ganassi.
La familia de los violines fue creada en
el siglo XVI como alternativa a las violas. Poseían un sonido más
potente y penetrante pero eran tenidos por instrumentos más vulgares, y
solían usarse para acompañar las danzas. Andrea Amati estableció
entonces la forma del violín actual.
Los laúdes, de cuerda pulsada, forma de
media pera, cuerdas dobles y afinados como las violas da gamba, se
usaban como instrumento solista. Solían intrepretar reducciones de
polifonía en tablatura para uso casero (a la manera de las reducciones
para piano de sinfonías en el siglo XIX); en España se utilizaba la
vihuela de mano, muy similar pero con forma de guitarra. El arpa, por
otra parte, fue particularmente importante también en España, donde ya
Hernando de Cabezón le dedica obras en tablatura.
Instrumentos de teclado:
En el clave y su versión pequeña (virginal o espineta) las cuerdas son
pulsadas por púas accionadas desde un teclado. Solían usarse también en
las casas de la nobleza y la burguesía. Además de polifonía, su
repertorio incluía disminuciones y variaciones, como muestra el
Fitzwilliam Virginal Book inglés.
En el clavicordio las cuerdas eran
golpeadas por unos macillos o tangentes (que se quedaban pisándolas). El
mecanismo era pues un tanto similar al del piano actual, pero su sonido
era muy débil, apenas audible en una sala pequeña.
El órgano siguió siendo el instrumento de
iglesia por excelencia, alternando, sustituyendo o apoyando a la
polifonía vocal. Por demás compartía repertorio con otros instrumentos
de tecla gracias a tablaturas específicas (Buxheimer Orgelbuch,
Cabezón…). Además de los grandes órganos fijos se usaban modelos
portátiles (órganos positivos y portativos).
Instrumentos de viento: La familia del bajón en una ilustración del Syntagma Musicum (1614-19) de Michael Praetorius
Las bandas de instrumentos de viento
(capillas de ministriles) fueron habituales en música al aire libre y en
las catedrales, donde se usaban como alternativa a la capilla vocal o,
según algunos musicólogos, junto a esta (tocando colla parte). En estas
capillas instrumentales solían reunirse:
Corneta (o cornetto): instrumento con
embocadura en forma de copa, a la manera de la trompeta, pero cuerpo de
madera con agujeros, como las flautas. Solían tocar las voces agudas y
destacaban en la disminución.
Chirimías: instrumentos de doble lengüeta (antecesores del oboe actual) y gran variedad de tallas.
Sacabuches: muy similares a los
trombones actuales aunque de boquilla y pabellón algo más pequeños.
Solían tocar las voces intermedias.
Bajón: predecesor del fagot, solía tocar la línea del bajo junto a la capilla vocal para mantener la afinación.
Además eran habituales otros muchos
instrumentos, como las flautas de pico (desde los modelos más agudos
hasta las enormes contrabajo de dos metros de altura), los pífanos
(especie de flauta travesera), los orlos o cromornos (de doble lengüeta
encapsulada), etc.
Los conjuntos de trompetas y atabales
estaban reservados para las ceremonias de la nobleza y tocaban un
repertorio específico del que apenas han quedado testimonios escritos,
salvo excepciones como la toccata de los Gonzaga que abre el Orfeo de
Monteverdi. Las trompetas eran naturales, esto es, sin pistones ni
agujeros, de modo que el músico entonaba sólo con los labios. Los
atabales eran semejantes a los timbales actuales.
Juan de la enzina: (Fermoselle, 12 de julio de 1468 –
León, 1529), fue un poeta, músico y autor teatral del Prerrenacimiento
español en la época de los Reyes Católicos. Perteneció, junto a Juan de
Anchieta entre otros, a la primera época de la llamada escuela
polifónica castellana, una de las más importantes de España, y que mejor
representa la evolución polifónica en este país. Alcanzó gran altura
lírica en sus glosas y villancicos.
Como dramaturgo está considerado iniciador y patriarca del teatro
español.1 2 Su arranque se puede fechar en la Navidad de 1492 cuando
representó ante los duques de Alba dos églogas teatrales en que unos
pastores anuncian el nacimiento de Cristo.
Mateo Flecha el Viejo:
(Mateu Fletxa el Vell en catalán) (1481–1553) fue un compositor
renacentista de la Corona de Aragón, conocido hoy principalmente por sus
ensaladas. Se le denomina «el Viejo» para diferenciarlo de su sobrino
Mateo Flecha «El Joven». A Mateo Flecha se le conoce principalmente por
sus ensaladas. Éstas son composiciones para cuatro o cinco voces,
concebidas para diversión de los cortesanos y que alcanzaron gran fama
en las fiestas palaciegas. En ellas se mezclan con frecuencia,
diferentes lenguas como castellano, catalán, italiano, francés o latín.
Aparte de las ensaladas, también compuso villancicos.
Las ensaladas fueron recopiladas y
publicadas en Praga, en 1581, por su sobrino Mateo Flecha el Joven. De
las once ensaladas que compuso, sólo seis, El jubilate, La bomba, La
negrina, La guerra, El fuego y La justa nos han llegado completas. De
las restantes falta una voz. El cantate se da por perdida, ya que su
sobrino no quiso publicarla por considerarla demasiado larga.
Tomás Luis de Victoria (Ávila,1 h. 1548 – Madrid, 27
de agosto de 1611) sacerdote católico abulense y maestro de capilla,
célebre compositor polifonista del Renacimiento español. Se lo ha
considerado uno de los compositores más relevantes y avanzados de su
época, con un estilo innovador que anunció el inminente Barroco. Su
influencia llega hasta el siglo XX, cuando fue tomado como modelo por
los compositores del Cecilianismo.
La música medieval comprende toda la música europea compuesta
durante el periodo de la Edad Media, esto es, aproximadamente entre la
Caída del Imperio romano de Occidente en 476 y el siglo XV, La única
música medieval que puede ser estudiada es aquella que fue escrita y ha
sobrevivido; por ello se conserva tan solo la ligada a la Iglesia y las
instituciones eclesiásticas, como monasterios, y en menor medida la
profana creada en los círculos aristocráticos. Estas tradiciones
manuscritas solo reflejan marginalmente la música popular de aquella
era.
Clasificación de la Música Medieval: la historiografía musical medieval suele clasificar la música medieval en tres grandes repertorios:
El canto llano o monodia religiosa, popularmente
denominado canto gregoriano. Es con gran diferencia el repertorio
medieval más antiguo y extenso, e incluye la gran mayoría de música
litúrgica cristiana de la época que se conserva. Es música estrictamente
vocal, de ritmo libre, texto latino y escrita a una sola voz.
La música profana omúsica de trovadores.
De escritura también monódica y vocal, fue creada en ambientes
aristocráticos y con textos en lengua vernácula; sus autores son
llamados trovadores (si escribían en provenzal), troveros (enfrancés
antiguo) o Minnesänger (en alemán). Su temática suele ser amorosa y,
aunque su escritura es semejante a la del canto gregoriano, era
interpretada con acompañamiento instrumental y compás definido. La polifonía, música escrita a varias voces y que surge
por evolución de las anteriores durante la Baja Edad Media, primero en
el ámbito religioso y posteriormente también en el profano.
Instrumentos Musicales de la época Medieval: Muchos de los instrumentos usados en la época medieval perviven aún hoy día con algunas variaciones.
Instrumentos de Cuerda: La música medieval utiliza
muchos instrumentos de cuerda, tales como el laúd, la guitarra morisca o
mandora, la guiterna y el salterio. Los dulcémeles, similares en
estructura a los salterios y cítaras, que eran originalmente punteados.
El rabel, era un instrumento medieval cordófono de tres cuerdas,
tocado con arco. Su caja de resonancia tenía forma de pera y en
ocasiones alargada. El mástil era corto y el clavijero a veces estaba
inclinado hacia la derecha, hasta adoptar finalmente forma de hoz. Se
introdujo en Europa durante el siglo X desde el mundo árabe.
El salterio, se compone de una caja de resonancia, plana, de forma
generalmente trapezoidal, sobre la que se tensa un número de cuerdas muy
variables, de longitudes desiguales.
El laúd, en la forma que el renacimiento hizo famoso, no fue
introducido en Europa sino hasta el siglo XII. Lo introdujeron los moros
con su nombre árabe.
Instrumentos de Viento: se distingue en el siglo
XIV dos tipos de flauta: las traversas y «en las que tocas recto cuando
soplas» Las flautas se hacían de madera más que de plata u otro metal, y
podían tocarse desde un costado o desde el extremo. La flauta dulce,
por otro lado, ha conservado más o menos su forma. La chirimía es un
viento-madera parecido al oboe y de doble lengüeta, trabajada
antiguamente de forma grosera y labrada con nueve agujeros laterales, de
los que únicamente seis están destinados a taparse por medio de los
dedos
Los instrumentos con doble lengüeta, como el oboe, están
representado por los caramillos, las bombarda (una quinta más graves) y
las dulzainas, de tubo más estrecho y timbre velado.
Los instrumentos de las familias de los cuernos y de las trompetas
son, en general, instrumentos guerreros. El olifante, es un cuerno
tallado en un colmillo de elefante. La trombetta es una pequeña trompa, predecesora de la trompeta.
Instrumentos de Percusión: Hasta el Renacimiento
los instrumentos de percusión no desempeñaron sino un papel marginal en
la música. estos eran matracas cencerros, cascabeles, campanas,
aldabones de las puertas, etc. Sólo en los siglos XII y XIII aparecieron
en Europa los tambores de dos pieles, con los que se acompañaban sobre
todo los que tocaban instrumentos de viento y el pequeño tambor sobre un
cerco con crótalos conocido actualmente como pandereta.
El canto llamadogregoriano es un tipo de
canto llano (simple, monódico y con una música supeditada al texto)
utilizado en la liturgia de la Iglesia Católica Romana, aunque en
ocasiones es utilizado en un sentido amplio o incluso como sinónimo de
canto llano. La denominación canto gregoriano procede de atribuírsele su recopilación al Papa Gregorio Magno.
Carácteristicas:
Se considera pues que es de ritmo libre.
Su texto está escrito en latín
solo existe una línea melódica y carece de acompañamiento instrumental
es anónimo.
Es interpretado por voces masculinas, de forma coral o solista.
Clasificación:
Según la forma de interpretarse: estilo responsorial (alternancia de
un solista con un coro), estilo antifonal (alternancia de dos coros) y
estilo directo (sólo hay un coro o un solista)
Según el tipo de texto: bíblicos (aparecen en la Biblia) y no bíblicos (no aparecen en la Biblia).
Según el número de notas cantadas por sílaba: silábico, con una nota
por cada sílaba; neumático o adornado, con dos o tres notas por sílaba;
y florido o melismático, muy adornado, con más de tres notas por
sílaba.
Una escala como lo comentamos en la clase nro 01 no es más que una Sucesión de sonidos, ahora bien La Escala Diatónica no es más que eso, una sucesión de 8 sonidos, dispuestos en
movimiento conjunto, de siete notas, como por ejemplo do, re, mi, fa, sol, la, si, creando la octava a partir de la repetición de la primera de la serie.
El Do la nota final, es igualmente el inicio de otra nueva serie
A las Notas de la escala se les dá el nombre de GRADOS
TONO Y SEMITONO
Los grados de la escala no guardan igual distancia el uno del otro, entre unos hay mayor distancia y entre otros es menor.
La Distancia más larga se llama TONO
La Distancia más corta se le llama SEMITONO o 1/2 TONO
El Tono Existe entre el
1er y 2do grado
2do y 3er grado
4to y 5to grado
5to y 6to grado
6to y 7mo grado
El Semitono Existe entre
El 3er y 4to grado
7mo y 8vo grado
Una Escala diatónica está compuesta pues, por cinco tonos y dos semitonos diatónicos.
LA DIVISIÓN DEL TONO
El tono se divide en dos semitonos, entre
dos notas separadas por un tono existen dos semitonos, ejemplo, del do
al re, existe un sonido intermedio, del do a ese sonido hay un semitono,
y de ese sonido al re hay otro semitono.
Existen dos tipos de Semitonos, El Semitono Diatónico y el Semitono Cromático.
El Semitono Diatónico es aquel que existe entre dos notas de distintos nombres.
por ejemplo de do a re bemol
El Semitono Cromático existe en dos notas de igual nombre.
por ejemplo de do a do sostenido
Los Dos semitonos que conforman al tono son distintos, uno es Cromático y
el otro es diatónico, y dependerá de si rebajamos la nota superior o
aumentamos la nota inferior, el orden de los semitonos.
TE PUEDE INTERESAR: de mi serie Como tocar o dar clase de flauta dulce edición Escalas para que complementes y profundices en el estudio de las Escalas.
Esta clase es bastante corta, se trata de las alteraciones, las
cuales son simbolos que sirven para aumentarle, disminuir o quitarle
semitonos a una nota.
Existen tres símbolos que nos permiten esta función y son
el Bemol que nos permite quitarle mediotono o a una nota
El Sostenido que le agrega mediotono a una nota
y el Becuadro que elimina el efecto del sostenido y del bemol
Estos simbolos también se utilizan en un orden especifico para determinar las tonalidades.
La Tonalidad y Los Modos
La tonalidad está determinada por la armadura de clave, la cual se
escribe al inicio de cada pentagrama, pueden ser escritas con bemol o
sostenido, dependiendo del que se vaya a usar, ya que cada tonalidad
tiene asignado una armadura bien especifica.
para determinar cual es la armadura que se usará en el caso de los
sostenidos, se cuenta la siguiente nota despúes del sostenido escrito,
por ejemplo el primer sostenido que nos aparece es Fa Sostenido, y la
nota que le sigue es Sol, por lo tanto, la tonalidad es de Sol Mayor.
En el Caso de los Bemoles, se saca la tonalidad por el penultimo
bemol Escrito, ejemplo, sib mayor tiene dos bemols, Sib y Mib, el
penultimo escrito es Sib. y ese vendria siendo nuestra tonalidad.
Cada Tonalidad tiene un relativo Menor, el cual se determina de dos formar
subiendo una sexta partiendo de el primer grado
bajadon una tercera partiendo de él primer grado
Si tenemos Do, y subimos una sexta. nos quedaría LA para inicio de su
relativa menor, y si bajamos una Tercera. Do-Si-La, igual nos quedaría
LA para inicio de la relativa menor.
Los Modos Mayores y Menores, estan determinado por una cualidad
sonora, por lo general los Modos Mayores son Alegres y Brillantes, y los
Tonos Menores tienden a ser más sombrios, Oscuros y Tristes.
EL RITMO ES UNA COMBINACIÓN DE ELEMENTOS: LOS CUALES SON
El Pulso: Es constante, una vez que se establece su
velocidad no cambia, y ayuda a establecer cada uno de los tiempos de un compás, y a mantener el ritmo uniforme.
El Tempo: son las Velocidades de la música, rápido, moderado y lento, una vez que se establece es constante al igual que el pulso.
La Duración: determinada por unos símbolos que se conocen como FIGURAS DE NOTAS,
las cuales varian según su figura, estas notas sirven además de acuerdo
a la ubicación que se les dé en el pentagrama a determinar cuanto dura
el sonido en el tiempo.
Son siete Figuras de Notas.
Ahora bien lo que se representa en la
gráfica de arriba es la duración en tiempos de cada una de las notas,
quiere decir que en un compás de cuatro tiempos caben, una redonda, dos
blancas, cuatro negras, ocho corcheas, dieciséis semicorcheas, treinta y
dos fusas y sesenta y cuatro semifusas.
Como lo notaran la redonda representa la
figura de mayor duración, y cada una que le sigue vale la mitad de la
anterior, por consiguiente cada nota vale el doble de la que le sigue.
no es tan complicado como resulta, en la práctica es simple matemática.
Cada una de estas figuras de notas le acompañan un silencio, cuya duración es igual a la figura que representa.
Ahora bien lo que se representa en la
gráfica de arriba es la duración en tiempos de cada una de las notas,
quiere decir que en un compás de cuatro tiempos caben, una redonda, dos
blancas, cuatro negras, ocho corcheas, dieciséis semicorcheas, treinta y
dos fusas y sesenta y cuatro semifusas.
Como lo notaran la redonda representa la
figura de mayor duración, y cada una que le sigue vale la mitad de la
anterior, por consiguiente cada nota vale el doble de la que le sigue.
no es tan complicado como resulta, en la práctica es simple matemática.
Cada una de estas figuras de notas le acompañan un silencio, cuya duración es igual a la figura que representa.
El Compás
El Compas es la división en partes iguales
de un trozo de música. esta división se indica a través de las lineas
divisorias. el conjunto de los valores, notas y silencios, que estén
entre dos lineas divisorias forman un compas, y la suma de ellos debe
ser igual para todos los compases de música, por consiguiente todos
seran de igual duración.
Los Tiempos
El Compas se subdivide en partes a las que
se les denomina tiempos, de ahí la expresión compás de tres tiempos,
cuatro tiempos, cinco, seis, y cuantos exista.
Los Tiempos se marcan con el pulso, para ejercitarlo se recomienda aplaudir e ir cantando ejercicios con redondas.
Los tiempos del compás no todos tienen igual
importancia desde el punto de vista de la acentuación, unos son fuertes
y otros débiles. Los primeros son tiempos débiles y los segundos son
tiempos fuertes.
En el Compás de Dos tiempos el 1er tiempo es fuerte y el 2do es debil
En el Compás de tres tiempos tiene el 1er tiempo fuerte y los otros dos débiles.
El compás de cuatro tiempos, el 1er y 3er tiempo son fuertes, el 2do y el 4to son débiles.
Cuando los tiempos de un compás son divisibles por dos son tiempos
binarios, se le conoce como compás simple, cuando son divisibles por
tres son tiempos ternarios y constituyen un compás compuesto.
Los compases se indican por medio de un quebrado, el numerador indica
el valor del compás, y el denominador indica la calidad de esos valores.
Ahora bien a continuación mostraré como se miden cada uno.
Ahora unamos todo los conocimientos en un solo ejercicio. que nos hará
comprender mejor la relación entre las figuras de notas, los silencios,
los compases, las cifras de compás y el ritmo en general.
